6.07.2017

Перша колекція сім'ї Романових, власна фотостудія Івана Шишкіна та всесвітньо відомий фотохудожник з Казані

Черговим заходом в рамках спільного проекту «БІЗНЕС Online» і ЦСК «Зміна» під назвою «Сучасне мистецтво в Росії: витоки, герої, контекст» стала лекція мистецтвознавця Ірини Чмирева «Як фотографія стала сучасним мистецтвом?». По її закінченні ми поговорили з московської гостею про те, як фотографія перетворювалася в вид мистецтва, головних сучасних вітчизняних фотографів і причини відсутності фахівців-мистецтвознавців в цій сфері.

Ірина Чмирева Фото: Ірина Єрохіна

КОЛИ ЛЮДИ, вважає себе фотографом, СТАЛИ СЕБЕ УСВІДОМЛЮВАТИ Творця?

- Ірина, виходячи з назви в ашей лекції «Як фотографія стала сучасним мистецтвом? »Можна говорити зараз про те, що це різні спеціалізації - фотографія та інші види образотворчого мистецтва, як вважалося раніше? Сформулюйте, будь ласка, чим художник відрізняється від фотографа, або це некоректне питання?

- За великим рахунком говорити про те, що це різні спеціалізації, не зовсім вірно. Йдеться про творчість художників, а далі ми можемо поділяти: цей художник займається живописом, а цей - фотографією. Це не означає, що митець не може займатися фотографією, а фотограф в якийсь момент не може звернутися до друкованої графіку або до скульптури, - таких прикладів безліч. Це, насправді, явище досить недавнього часу, і в міжнародному масштабі цей процес йде з початку 70-х років. У нас в країні, якщо зважити на те, що відбувалося на виставках в роки перебудови, історію проникнення фотографії в сучасне мистецтво можна відраховувати від неформальних, а потім від перших офіційних виставок, на яких з'явилися дивні речі, зроблені художниками, що звернулися до фотографії і фотографами , що вирішили розширити свій арсенал виразних засобів. Починалися ці пошуки, природно, до цих виставок, тому що інакше до моменту виставок було б нічого показувати.

Але по-справжньому історію цього процесу можна розділити на кілька важливих етапів. Перший етап - коли люди в принципі займаються фотографією, і які вважають себе фотографами, стали себе усвідомлювати творцями. У нашій країні це збігається з часом розвитку фотоклубів, коли людина, яка прийшла з інженерної професії або робітничого класу, раптом починає розуміти, що його в цьому житті хвилює не кількість покладеного цегли і не креслення космічних апаратів, а інші проблеми - наприклад, як він може передати політ голуба або як те, що він сфотографував, вирвав з контексту повсякденності, будучи поміщеним в рамку кадру, набуває нового змісту. Такі приклади були і в Казані: фотоклуб «Тасма» відкрив кілька дуже яскравих авторів - в першу чергу Лялю Кузнєцову , Всесвітньо відомого фотографа, і, безумовно, художника. І абсолютно неважливо, ким вона була до того, як взяла в руки камеру і усвідомила себе творцем.

Другий важливий етап - це 80-е і та богемна середовище, в якому музиканти, художники, виконавці, модельєри, дизайнери, люди без певного заняття, але з дуже хорошим почуттям смаку, які не знали, що їх тягне, брали в руки камеру і потім виявлялося, що це саме те, чим вони повинні були займатися.

Схожий процес відбувався на початку XX століття, коли в художню фотографію (на відміну від професійної комерційної фотографії) люди приходили від надлишку комфорту. Був такий американський фотограф Енн Брігман, вона по розлученню від чоловіка отримувала достатній вміст і не знала, чим себе зайняти, стала дружити з художниками і, щоб не бути чужою в їх середовищі, взяла в руки камеру. Опустимо період її становлення, але вона стала одним із класиків американської фотографії початку XX століття. Це буквально історія того, як людина, потрапивши в художній коло, відчуває почуття незручності від того, що він сам нічого творчого не робить, але атмосфера, в яку людина потрапила, починає його надихати на експерименти. І з'ясувалося - Брігман якраз таки може. Це не означає, безумовно, що будь-який взяв в руки камеру людина стане обов'язково відомим або що він зможе «говорити» з допомогою фотографії, - це, безумовно, мистецтво; так само, як і будь-яка людина, що співає за столом після прийняття певної кількості чарок, зможе стати співаком.

- А як це розвиток відбувалося вже в сучасній Росії?

- Спостерігає етап становлення фотографії на сцені сучасного мистецтва в нашій країні - це 90-ті роки, коли розвиток простору сучасного мистецтва в Росії стало не тільки стикатися, але і перетинатися зі світовим мистецьким процесом. Зараз, коли ми обертаємося назад, розуміємо, що це був час неймовірної широти можливостей, всі, хто про це писав у той час, говорили: «Ми на самому початку шляху; то, що у нас відбувається, - цього недостатньо ». Але сьогодні здається, що це був золотий вік, який ми випадково пропустили, не дивлячись на те, що самі були учасниками цього процесу.

У 90-ті був пік експериментальної активності людей, які працювали з фотографією. Як не дивно, прихід цифрової техніки і розвиток інтернету розширили аудиторію, але знизили градус експерименту, і тепер має пройти ще якийсь час, щоб сублімація алхімічного процесу творчості стала набирати силу.

«ПИТАННЯ НЕ В ТОМУ, В ЯКОМУ СТИЛІ ПРАЦЮЄ ФОТОГРАФ АБО ЩО ВІН ВИКОРИСТОВУЄ ...»

- Д умаете, вона буде?

- Обов'язково. Це хвильова ситуація, коли ми в якийсь момент знаходимося в стані спаду, а потім знову починається рух. Ні в якому разі не обов'язково, що це буде хвиля по тій же синусоїді, яку ми очікували, що нові форми, які з'являться, будуть корелювати з тим, що нам відомо. Вони можуть виявитися в іншій формі і в перший момент для нас бути неочевидними. Але я впевнена в тому, що ми зараз знаходимося в тому стані, коли не зовсім зрозуміло, що саме відбувається. Інтернет нас своєю масовістю дуже сильно розхолоджує і знижує цінність інформації, яку ми отримуємо. Коли ми переглядаємо тисячі зображень, вловити в цьому потоці одно-два важливих буває іноді дуже важко. Тільки з другого-третього перегляду виявляється, що дійсно в відвалі інтернет-руди є частинки золота.

Напевно, професійні редактори мене зрозуміють, тому що, коли ти читаєш текст по третьому разу, бачиш, що там є важливі думки, вкладені автором, але ти читаєш сотні сторінок за день і перестаєш фокусуватися на думці, починаєш розглядати зовнішню форму. Інтернет нас привчає ковзати по поверхні, кількість нової щомиті надходить практично не дає можливості повернутися і переглянути заново. Але, я думаю, зараз той час, коли відбуваються цікаві речі. Я впевнена, що в найближчі роки, обертаючись на те, що створюється зараз, ми гідно оцінимо і цей етап.

- А ви поділяєте поширена думка, що інтернет і нові технології фотографію вбили?

- Не думаю, що це так. Насправді в останні років десять як в нашій країні, так і в усьому світі йде повернення інтересу до старих і навіть старовинним технікам фотографії, які виявляються іноді дуже цікавими способами для реалізації художників. Буває, що хтось, звернувшись до старої техніки, стає професіоналом її відтворення, чудовим майстром, що володіє рідкісним ремеслом, а хтось йде далі, відкриває нові шляхи, такий художник - мислитель, а стара техніка виявляється лише точно підібраною формою для вираження його ідеї. Питання не в тому, в якому стилі працює фотограф або що він використовує: камеру-дерев'яний ящик, зроблену майстром в XIX столітті, і старовинну оптику, куплену на аукціоні за тисячі євро, або не менше дорогу сучасну техніку. Безумовно, техніка створення твору цікава, але це друге питання, а перший полягає в тому, наскільки автор в стані точно сформулювати своє повідомлення глядачеві. Якщо художник в змозі перевернути моє уявлення про світ, воно спочатку перевернеться, а потім, заспокоївшись трошки, я буду смакувати, як це було зроблено: за допомогою техніки дагеротипа або новітнім цифровим відбитком.

Як говорив знаменитий графічний дизайнер і редактор Алекс Бродович, звертаючись до фотографам: «Здивуйте мене». Цей принцип працює всюди - в журнальній, репортажної, новинний або художньої фотографії. Це в будь-якому випадку потрясіння, яке ми відчуваємо, стикаючись з несподіваним твором мистецтва. Те ж саме відбувається і відносно живопису, тільки в галузі образотворчого мистецтва приймається як даність те, що існує дуже багато нудних художників, а на їх фоні виділяються цікаві художники, і це вважається нормальним; в фотографії же досі велика кількість нудних авторів є доказом того, що нібито зовсім мало цікавих. На жаль, таке існує упередження.

«В ОСТАННІ РОКИ ДУЖЕ БАГАТО ФОТОГРАФІЙ З поверненням до ДУЖЕ стара техніка»

- Могли б в и дати коротку характеристику сучасної фотографії? Яка вона, які у неї ознаки?

- У мене до сучасної фотографії специфічне ставлення. Справа в тому, що я в якомусь сенсі всеїдна. Я розумію, що хтось із моїх колег може сказати, що певна стилістика - сучасна, а інша стилістика, що була у використанні, часто публікувалася 5 - 10 років тому, всім набридла і зараз несучасна. Я намагаюся дивитися трохи по-іншому - якщо людина знімає, наприклад, Сабантуй, то у самого цієї події є своя стилістика вираження. І питання в тому, щоб фотограф зумів цю подію транслюватимуть, показати його стилістику самовираження. І якщо його фотографія буде дуже штучна по відношенню до тієї реальності, яку він знімає, то цей розрив змісту і форми мене відверне, ніж підкаже, що знайдена нова сучасна ідея. При цьому я розумію, що стилістика, яка зробить це подія зрозумілим глядачеві і дасть можливість «увійти» в нього, швидше за все, буде відповідати стилістиці самого події, а воно дуже традиційно. І це значить, що ми бачимо стилістично дуже гарну фотографію, подібно, можливо, тієї фотографії, яка була зроблена 10 або 50 років тому, і в цьому і є якийсь завершений фотографічний продукт.

Я можу сказати, що в останні роки дуже багато фотографій з поверненням до дуже старим технікам і до старанності виконання відбитка. Можливо, був період, коли легкість фотографії та гра в цю легкість професійних авторів привела до того, що було дуже багато неохайності в зображеннях, і це здавалося сучасною мовою. Мені здається, зараз подібних зображень стає менше і, навпаки, ретельність виконання, композиційна, колірна або тональна точність - формальна завершеність - все це стає знаком якості, і це повернення до тих категорій оцінки, які були 20 років тому. Тому говорити про те, що є абсолютно нові категорії оцінки сучасної фотографії, я не можу.

І все-таки нові знаки є. Існує така нова тенденція, як авторська фотокнига, з якої експериментують безліч зовсім молодих людей. У деяких з них це не просто перша фотокнига, яку вони зробили зі своїх фотографій, а взагалі перша закінчена робота. Прагнення до перетворення своїх фотографій в книжки спостерігається останні років 5 - 10. Але коли це стає повальним захопленням, то з художньої тенденції вже має місце перехід в масову моду.

Мені здається, що зараз час протистояння ретельності і рукодільних і, навпаки, можливості деяких авторів дати фотографії працювати самостійно, мінімально втручаючись в цей процес. По суті, це ставлення до фотокамери - як до старої аналогової, так і до цифрової - як до партнера, який може висловлюватися самостійно, і художнику належить інтерпретувати цей вислів, але не будувати, не створювати його. Таке ставлення до технічного об'єкту як до особистості - це нова тенденція, якої раніше не було. Ті експерименти, які проводилися в 20-і роки, припускали, що процес фотозйомки некерований, але тим не менше в ньому автор залишається автором. А зараз існує розуміння того, що є штучний інтелект, з яким ми вступаємо в діалог. Відбувається перенесення цих відносин і на фотографічну технологію.

- Кого ви можете виділити, яких великих майстрів останніх двох десятиліть, зарубіжних і вітчизняних, яких не можна не знати людині, більш - менш цікавиться фотографією?

- Тут питання в тому, що фотографія дуже різноманітна. Це як музикознавця запитати - кого в музиці треба знати. Музикознавець, можливо, скаже, що треба знати Шнітке, але, з іншого боку, треба ж знати і Боба Ділана. Якщо говорити про фотографії, то і тут така ж ситуація, як в музиці. Якщо говорити про класичну фотографії та російських авторів, я б сказала, що треба знати в фотожурналістики, з одного боку, Володимира Вяткіна, Юрія Козирєва, Тетяну Плотнікову. Якщо ж говорити про класичну фотографії як про ідеально вибудуваної композиції, то тут не можна обійтися без згадки Олександра Слюсарева і Миколи Кулебякіна, хоча в житті вони були явними антагоністами. Це чудовий композитор зображення Ігор Мухін, а також абсолютно неймовірний Стас Клевак, Олександр Гронський - саме як люди, які створюють свої «магічні кристали» абсолютно без прив'язки до наших соціальних реалій.

У модної фотографії мені подобається, що робить Олексій Кузьмічов, хоча сам він вважає, що робота в модній індустрії - це всього лише хліб. Але його знання історії мистецтва і відчуття себе художником дає йому неймовірну свободу, якої у багатьох немає. З молодих я назву Микиту Пирогова ... у мене була презентація книги в Петербурзі (Микита звідти родом) і місцеві фотографи мене запитували: «Він правда наш? Ми ніколи про нього не знали ». Іноді так буває: той, кого потім назвуть знаковою величиною нашого часу, може бути не відомий широкому загалу ...

Але тут все питання в тому, що, з одного боку, я як глядач співпереживаю, починаю любити твір і через нього і самого автора, починаю стежити за його творчістю, а, з іншого боку, я як професіонал збираю думку інших професіоналів і глядачів, за якими завжди спостерігаю з великим інтересом. І коли я бачу, що люди дуже далекі від фотографії і не розуміють навіть, на що конкретно вони реагують в цих зображеннях, але все-таки реагують, я розумію, що такі фотографії зроблені тим самим «володарем дум» нашого часу, хоча зовні вони можуть бути зроблені надзвичайно просто.

«ПЕРШІ ПРИВАТНІ ЗБОРІВ - ЦЕ ЗБОРІВ монархії»

- А як виникла, з чого почалася в аша любов до фотографії і її вивчення?

- У мене на це питання є заготовлені відповіді для фотографів і для людей, які далекі від фотографії, а правда - десь посередині. З одного боку, я з сім'ї, де обидва дідусі - фотографи. Я росла з дідусем-фотолюбителем і в оточенні альбомів з мистецтва, яким захоплювалася моя мама. Cо другим дідусем - професійним фотографом - я ніколи особисто не зустрічалася, і я дізналася про те, що він відомий фотожурналіст, коли вже виросла.

З іншого боку, я професійний мистецтвознавець, і коли в інституті займалася російської середньовічної іконографією, займалася філософією мистецтва, мені здавалося, що це буде назавжди. Потім я закохалася у французький постімпресіонізму і в першу чергу в П'єра Бо н нара. Коли я вивчала його біографію, виявила, що він дуже недовго займався фотографією. І у всіх книгах, присвячених його творчості, написано, що було недовге захоплення, він потім кілька своїх композицій перевів в гравюри. І все. Але будучи фантазером по натурі, я стала дивитися на його заняття фотографією трохи пильніше. Тоді ж я стала сама вчитися фотографувати і друкувати - так само, як я брала уроки живопису: не для того, щоб стати художником, але для того, щоб розуміти, як фізично створюється твір, щоб розуміти, що в ньому від техніки, а що - від автора. І коли ці знання з'єдналися в мій інтерес до Боннару, я побачила, як його заняття фотографією змінили його уявлення про можливості художника і наскільки це вплинуло на зміну його палітри, на його нову експериментальну техніку живопису.

Я зрозуміла, что Фотографія - це фундамент для розвитку мистецтва XX століття, неважливо, в якому напрямку ми це мистецтво розглядаємо. Для мене фотографія - фундаментальна річ сучасної культури, тому я їй і займаюся. Але при цьому я дуже люблю архітектуру, по самому першою освітою я дизайнер промислових інтер'єрів, і для мене можливість працювати ще і в якості художника з чужими творами, роблячи виставки, - це дуже важливо. Коли у мене є можливість увійти в простір і почати його будувати заново за допомогою фотографії, зробленої іншим автором, але в контакті з ним, намагаючись його ідеї висловити найбільш зрозумілим способом для глядача, - для мене це щастя.

- Ви на лекції згадали, що у нас в країні зовсім недавно стали збирати фотографічні колекції в музеях, навіть у великих. З чим пов'язана така позиція запізнення?

- Були періоди, коли їх починали збирати. Перша публічна колекція в Російській імперії починалася завдяки відомому художньому і музичному критику Володимиру Стасову в Імператорської публічної історичної бібліотеки. Наскільки в 60-і роки XIX століття розуміли фотографію як найважливіший візуальний документ епохи - саме такі фотографічні зображення тоді і стали збирати. До початку XX століття в бібліотеці була дуже пристойна колекція - чудова колекція фотографій першого століття її історії зберігається в Політехнічному музеї. І це не тільки якісь артефакти роботи техніки, а твори найбільших авторів того часу, художників, які працювали з фотографій ... Пізніше, в Радянський період нашої історії, фотографію як відбиток не збирали. В архів передавався тільки негатив, слайд - як якийсь історичний документ, який надходив до архівного зберігання. А відбиток, авторське закінчене висловлювання як форма ігнорувався ... За кордоном перші публічні колекції - це теж друга половина XIX століття.

Перші приватні зібрання - це зібрання монархів, і у нас Романови збирали фотографічну колекцію, і вона починалася як колекція портретів великої родини. Пізніше вони стали збирати фотографії місць, які відвідали, і лише потім прийшли до розуміння того, що є зображення абстрактні, не пов'язані безпосередньо з історією їх сім'ї. Те ж саме у британській королівській сім'ї: перша фотографія - не сімейне, а куплена як твір мистецтва, це знаменита фотографія Оскара Густава Рейландер «Два шляхи життя» 1857 року. Ця фотографія, схожа на картину, була куплена за ту ж ціну, за яку можна було купити живописний твір, написаний олійними фарбами на полотні.

Крім того, пізніше початок збирання фотографії можна зв'язати і з тим, що фотографія як новий вид мистецтва була визнана досить пізно. Тільки модернізм після Першої світової війни зрівняв всі види медіа, які використовує художник: все - навіть колаж з газет - стає предметом колекціонування в музеї, тому що це акт творчості певного митця. І точно так же фотографія в кінці 20-х років починає потрапляти в колекції музеїв в США. Але це не означає, що там все було гладко з колекціонуванням фотографії протягом усього XX століття. Наприклад, коли в 1971 році Анна Такер прийшла в музей образотворчих мистецтв Х'юстона, де був фотографічний відділ, на той момент в ньому зберігалося 200 фотографій. Коли два роки тому Такер, будучи вже відомим куратором, покидала пост директора відділу фотографій і першого віце-директора музею, в ньому вже було 200 000 фотографій, включаючи кілька найбільших в світі приватних колекцій, придбаних музеєм.

У нас музеї і бібліотеки намагалися збирати фотографію на початку XX століття як мистецтво. Але революція змінила дуже багато. Наприклад, я в Краснодарському художньому музеї виявила, що засновник музею Федір Коваленко купував фотографії та таким чином в колекції музею з'явилися фотографії дуже хороших авторів початку XX століття. Але потім на них ніхто не звертав уваги, вони були передані в бібліотеку музею і там пролежали до кінця 90-х років, коли я їх уперше побачила. У нас в художніх музеях фотографію як мистецтво стали збирати тільки в 80-і роки, і це вже після того, як були засновані в СРСР перші музеї фотографії. Якби Віктор Мізіано не прийшов працювати в ГМИИ імені Пушкіна, там не було б фотографічної колекції.

- А в Ермітажі є колекція фотографії?

- Є, причому існує чудова частина, зібрана ще в XIX столітті, - власне, це частина колекції Романових, і є та частина, яку стали поповнювати в самому кінці 80-90-х років. У Російському музеї була перша виставка російської фотографії в 1993 році, частина робіт по закінченні виставки автори передали музею. На початку все це, як і в інших місцях, зберігалося в відділі графіки, а сам відділ фотографії був створений тільки в кінці 90-х років. Тоді ж в Російському музеї стали проводити музейні фотобієннале. Останні років 25 йде активне будівництво музейних колекцій. Інша справа, що не вистачає фахівців і люди, які для музейних колекцій купують або беруть в дар фотографії, не знають її історії і не можуть правильно визначити місце матеріалу, який їм пропонується. Наприклад, коли Пушкінський музей на честь свого 100-річчя робив виставку фотографій сучасних авторів, кілька дуже важливих фотографів були відкинуті, бо здалися виставкової комісії занадто простими, це була напрочуд анекдотична ситуація.

Фото: Ірина Єрохіна

«Я ЗНАЮ куратори, РОБЛЯТЬ ЧУДОВІ ВИСТАВКИ, АЛЕ ПРИ ЦЬОМУ ВОНИ ВВАЖАЮТЬ, ЩО ФОТОГРАФІЇ - ЦЕ ЛИСТІВКИ»

- А з чим пов'язаний явний дефіцит фахівців?

- Їх практично немає. Студенти, які зараз пишуть дипломні роботи по фотографії на факультетах мистецтвознавства, знаходяться в положенні студентів, які за часів СРСР писали дипломні роботи по сучасній критиці: здавалося, що це найпростіше і може бути довірено найслабшим, хто потім не збирається будувати наукову кар'єру. Зараз інтерес до фотографії є, але немає підручників, спеціальних курсів, та й економічно молодим мистецтвознавцям важко виживати, а тут ще треба багато часу присвячувати самоосвіті ... З авторів тих робіт, яких я за останні роки рецензувала, я знаю лише пару людей , які залишилися працювати з фотографією, але і вони поки не ведуть наукової роботи, не мають відношення до музейних інституцій.

- Чому? Це ж парадокс, з огляду на затребуваність фотографії.

- Ситуація дуже нестійка - як правило, займатися історією фотографії приходять дуже допитливі молоді люди, але потім вони розуміють, що це полі, не підняте до горизонту, і це не та маленька деляночка, де можна цитувати попередників і відчувати себе впевнено. Територія фотографії - це тектонічно рухлива платформа, на якій цікаво, але дуже важко втриматися, і в наукових колах це як і раніше не виглядає респектабельно. Фотографія для деяких до сих пір здається документом, а не витвором візуального мистецтва. Я знаю кураторів, які роблять чудові виставки, але при цьому вони вважають, що фотографії - це листівки.

Уявіть собі: одна справа вирости в оточенні фотографії та усвідомлювати, що це таке, і інше - вирости в мистецькому середовищі, коли ти з дитинства оточений живописом, графікою, книгами. Для тебе фотографія знаходиться в двох кроках, вона неблизько. Далеко не всі люди думають про те, як вони дихають, як відбувається цей процес. Є ті, хто замислюється про це, а потім повертається фізиком або біологом, а є інші - вони просто дихають і не намагаються вивчати це явище. Так само і з фотографією.

Крім того, мистецтвознавцям досі не читають курс історії фотографії, вони взагалі не знають, що у фотографії є ​​історія. Родченко, слава богу, зараз відомий як художник, відомо також, що він займався фотографією. А то, що за фотографією Родченко варто філософ мистецтва Олександр Родченко, який деякі свої ідеї міг висловити тільки за допомогою фотографії, - це вже закрито для програми художнього вузу.

Для художників теж історію фотографії не читають, тому що в академічному середовищі дуже довгий час вважалося, що це шкідливе знання, що художники перестануть малювати, і через цих помилок, відсутність аналізу, як насправді розвивалося мистецтво в XIX-XX століттях, все приходить до того, що художники самі інтуїтивно починають цікавитися фотографією, поступово, втрачаючи дорогоцінний час усвідомлюють те, що іноді фотографія їм потрібна, - і не тільки для того, щоб з неї малювати, а тому, що вона дозволяє їм по-іншому поглянути на їх соб ничих процес творчості.

Коли я здавала іспит в аспірантуру, приймальна комісія довго сперечалася про те, поставити мені 4 або 5, тому що гранд-дами були ображені тим, що я згадала заняття Івана Шишкіна фотографією і наявність у нього власної фотостудії. Це було сприйнято як образа великого російського художника-пейзажиста. Хоча такий поворот біографії будь-якого великого європейського художника був би шалено цікавий дослідникам, студенти б писали дипломні роботи, аналізуючи, як два абсолютно різних підходи до зображення дозволили цій людині досягти неймовірних результатів. Але це вже особливості консервативного зберігання знання в нашій старій школі мистецтвознавства.